動畫影集：琴之森

 趁著颱風假，看完聞名已久的動畫影集《琴之森》。

顧名思義，是有關鋼琴的故事。主角一之瀨海，出生在紅燈區「森林彼端」，身世可憐，個性開朗，充滿活力，音樂天才。森林中有一台被棄置的平台鋼琴，別人都彈不出聲音，他卻可以自在彈奏，只要聽過的音樂他就能彈出來。故事一開始，小學轉學來一位從小立志成為鋼琴家的雨宮修平，兩人成為好友，而小學音樂老師竟然是因車禍中斷演奏事業的鋼琴家阿字野壯介。故事從三人的相遇展開，一之瀨海成為阿字野的唯一學生，步上鋼琴家之路。

兩季動畫24集，第一季主要是兩個孩子學琴、競爭、成長的故事，第二季則描寫兩人參加波蘭的蕭邦大賽的情景。在網路上追過兩屆蕭邦大賽，對第二季的呈現十分佩服，把演奏現場、審查評分的情況、選手們各自面對的心魔、甚至場外勢力如黑金、八卦媒體、愛國裁判的干擾等等，都有帶到。熱血但不肉麻，人跟人之間的關係很成熟，基調相當溫暖。前提是：人們被真正的好音樂感動，願臣服於純粹的美。

第二季給觀眾聽大量的蕭邦鋼琴曲，表現風格各異，真的是驚人的好。不知道這些音樂是否是從蕭賽的錄音中選用？還是找專人演奏？

一之瀨和阿字野的師生情非常感人，慧眼識天才的阿字野，盡全力栽培海，一直給予充分的成長空間，沒有控制慾，甚至還不斷向人強調海是由森林的鋼琴所培養出來的，並不是他的功勞。一開始就要海不要模仿他，要找到自己的聲音。在蕭賽期間，對模仿自己、想延續他風格的龐威，也給予祝福，告訴他可以自由發展。第二季的結尾，阿字野重回演奏事業，在海的堅持下，他克服了舊傷和心魔，教學相長、從師生變對手也是同伴，感覺非常明亮美好。

沒有權威壓迫，沒有情勒，出於自願的學習，在音樂中感受到由衷的喜悅，大概是所有學琴者都很難遇到的。小時候遇到什麼不大可能是真的，大人會說：「你是咧講漫畫（Manga）」（Lí tī-teh kóng bân-gah）。就是這樣的漫畫。在真實生活中很難發生，但期待真的有這樣的事情存在。

總之，這齣真是好看。

作品資訊：
《琴之森》（日語：ピアノの森），是日本漫畫家一色真人的作品。1998年開始連載，2014年出版25集。2007年動畫電影。2018-2019動畫影集。

台語版的鎌倉殿的13人

 公視台語台將2022年NHK大河劇《鎌倉殿的13人》配台語上架，一天一集，一個禮拜五集。知道時已錯過前面八集，之後盡力趕上進度。因為合約限制，在公視+每集也只能放一個禮拜。

之前看是一個禮拜一個禮拜追，這次則幾乎每天看。15集開始幾乎每集都有人慘死，這種劇很難一口氣追好幾集。但實在太好看，即使感覺痛苦，還是捨不得不看。

台語配音非常強，音質和表情都和原劇演員的聲音相近，自大愚蠢青年的口音略有點咬不準閉口音，接近台灣當前年輕人說台語的方式，格外親切。

配台語的好處是，不必盯著字幕，可以更專心看演員的表現，看到整齣劇設計的妙處。

昨天看到39集，當年我為了這集寫了一篇頗長的觀後感。今年重看，覺得編劇超厲害，標題是平靜的日子，但裡面各種暗潮洶湧，十分可怕。

三谷幸喜筆下的劇中人物很立體，沒有簡單的善惡分野，描寫身在權力局中的人們，看得透、看不透的，都步向自己有心無心造成的悲劇。以為有共同理想、深信掌權者敬愛自己的上總介、義經遭到清算；專門監視並殺害同僚、惡事做盡的權謀家梶原和刺客善兒都無好結果；只因有源氏血緣而被視為競爭者、死得很可憐的源賴朝的弟弟們；為了家族利益把自己逐漸活成魔鬼的小四郎，同樣為了護衛自己的家族但力有未逮，英勇戰鬥到最後的重忠、義盛，都令人唏噓。立場搖擺、在詭譎情勢中每次都準確靠向權力者，甘願伏低做小的三浦，討人厭卻呈現亂世中處世求全的智慧。

2022年看的時候覺得他把女性角色處理得太樣板化，形象就是聖女或惡女，其內心世界讓人摸不透。但其實他寫的男性角色也是各有模組，各種典型，像傳統喜劇。這麼血腥的故事，因為人物的樣板行為反而有些好笑的段子，比如和田義盛幾次都想用相撲或比腕力來取代戰爭，或是小四郎每次想討好女人都送香菇。這齣的義經的形象是野孩子、戰爭機器，心思單純，感情直接，他的悲劇就在於傻傻相信兄弟之愛可以超越權力競爭。

這齣的主題很清楚，描寫赤裸裸的權力鬥爭，位居權力中心的人充滿不安全感，只要感到稍微受到威脅，就把所設定的競爭者幹掉，做得太過頭怕被質疑，就把責任賴給別人。雖然寫的是日本12世紀鄉野武士一步步登上國家最高權力者位置，但放在所有的國家、所有的時代、各種職場、家族、地方派系、社團當中，都可以找到類似的故事。人性就是這樣。

但是，這黑暗的權力遊戲中，劇作家還是努力樂觀想指向較為光明的未來。寄望在北條泰時，劇中他被設定為良心代表，對父親的可怕作為總是提出反對（但多是無效的反對），放話主政時必建立不同的政治形態，歷史上他的統治也被稱為治世。只是，他也是全劇最無味、最花瓶的角色。

7月16日補：

上個周末到這個禮拜一，補完了最後幾集。真是高潮迭起，義時繼續為穩固鎌倉政權清除各種威脅，和田義盛壯烈死去、放任源實朝被姪子公曉刺殺、逼死實衣阿姨的兒子阿野時元、一度連實衣都想殺掉，最後直接挑戰朝廷，流放後鳥羽上皇，終於建立武家絕對掌權的政治模式。這戲把北條政子描寫為無權力慾的掌權者，不贊同無盡的殺戮，支持北條泰時照法度施政的寬仁。義時的終局是被太太緩緩下藥而逐漸麻痺，但他有很好的繼承人，生前已逐漸將權力移交給泰時，戲裡就不用交代死後爭北條繼承權的伊賀之亂。

最後這幾集處理父子關係頗精彩。全劇我就最不喜歡坂口健太郎的泰時，但這角色塑造還是成功的，個性憨直又有智慧，和父親衝突不斷，但總還是執行父親的意旨並能夠了解其政治主張。把所有壞事攬在身上，讓兒子去開創新時代，義時正如倒數第二集政子所宣言：他行事或許大家厭惡，但他所做的一切都不是出於私心。覺得三谷幸喜能以此歷史上負面形象者為主角、寫出這麼恐怖卻又有其正當性的戲劇，真的太厲害。劇中的義時不追求享樂，幾乎沒有縱慾之時，與三位太太的關係也算純情，只是對最後那位可怕的乃繪太過冷淡，算是齊家失敗。是一個典型眼中只有事業的大男人。

三浦義村平六的角色設定是本劇特別好看的原因之一，一直在義時身邊幫助，每次叛亂站隊都成功，但嫉妒心越來越強，不斷找機會想要取而代之，終究還是在認清現實後臣服。這類型的親近部下或好友，在真實生活中是少不了的。所謂忠誠，通常是迫於形勢的。所以成功者除了實力之外，運氣不可缺，有很多事情強求不來。

電影：藍色亞馬遜

 巴西電影《藍色亞馬遜》，在電影院看到預告片，主角是位高齡女士，素材似是我關心的老年議題，而且有亞馬遜河景可以看。電影得了柏林影展銀熊獎，女主角得了世界各地三個影展的影后，應該是挺有意思的電影。

女主角特蕾莎是位77歲的女人，在鱷魚肉工廠工作，但因為年紀大而被迫離職。政府為了維持生產力，讓家庭不用為照顧老人費心，規定75歲以後的老人必須到銀髮聚落生活，不能留在家裡，她的監護權和政府補助都落到女兒手上。

特蕾莎不想去銀髮聚落，想在失去自由之前搭飛機一圓飛行夢，因為沒有女兒允許無法買機票、船票，她設法找到有點可疑的舢舨貨船，請他載她前往據說有輕航機可以搭的亞馬遜叢林小鎮。貨船因船路被阻，彎進叢林躲避，駕駛者發現一隻藍色體液蝸牛，只要用此蝸牛黏液點眼睛，就可以看見未來，陷入幻覺，掏心掏肺說出最在意最渴望的事。她照顧陷入幻覺的年輕人，後來他教她開船，送她到她要去的小鎮。

輕航機所有者說飛機壞了，只要有錢他可以修。但是他並沒有修好，反而把錢拿去賭博。她在此得知有一處金魚賭場，可能發大財也可能一夕傾家蕩產。飛行夢終究無法實現，只好拜託女兒同意她買船票回家。結果還沒回到住處，就被警察帶走，坐上她覺得最屈辱的皺紋車（摩托車改裝，關老人的籠子車）。要被送往銀髮聚落時，她被迫穿上紙尿褲，於是她決心逃跑，躲在流動廁所中，去到一處陌生之處。她在廢棄的遊樂園中躲藏，走到無力，有兩位小朋友看到她躺在地上，主動幫忙，告訴她可以去找「修女」幫忙。

「修女」有一艘兩層甲板的船，沿著河販售電子聖經。兩人熟悉後，她說自己並非教徒，是接收了一位西班牙傳教士的船和事業，以錢買到自由，只要留在船上，就不會被強制送到銀髮聚落。她邀請特蕾莎留下一起生活。特蕾莎找到藍色蝸牛，兩人都點了眼睛，「修女」才說那位傳教士教她向警察舉發老人，但她和特蕾莎再一起很快樂，她不想舉發。特蕾莎則利用藍色蝸牛之力，跑到金魚賭場去，把所有的錢和那艘船當賭注，她知道哪尾鬥魚會贏。果然她贏得大筆金錢，也保留了那艘船。電影結束在她在船上醒來，看著友人開船，而她望向遠方，可能還想繼續往前探險吧。

這齣對老人希望保有尊嚴、自由的權利，有不錯的刻畫。國家每天早上廣播，強調：未來屬於每一個人，但是卻不把老人當人。長照體系看似德政，但僵化時對老人也是很侮辱性的。

電影中的幾個描寫，真是銳利：年紀到了，住家被強迫掛上桂冠標誌，贈送勳章，表面上是給資深國民榮耀，卻也標示出老人作為特殊族群，不被正常對待。社工直接問她是否有用助行器、有無用尿布，對她而言也是屈辱性問題。老人明明還有獨立自主處理各種事務的能力，卻處處得請示根本不在身邊的女兒。

老人也可以有自己的未來？夢想？

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電影資訊：

片名：藍色亞馬遜 The Blue Trail

導演：蓋布瑞爾馬斯卡洛 Gabriel Mascaro

演員：丹妮絲溫伯格 Denise Weinberg

假日前一天晚上的七點場，只有我和另外一位年輕男生。喜歡這樣幾乎個人包場的觀影經驗。

紀錄片：《為一切人，成為一切》

 今天去看：《為一切人，成為一切》。

導演李秀純，從人道關懷的角度切入，描繪四位在花東服務的神父的故事。三位是巴黎外方傳道會所派的：牧德全、潘世光、劉一峰，前兩位已去世。另一位是在新城的戴宏基神父，來自瑞士。他們都是25歲離開家鄉，領受傳福音的使命，絕不回頭，決心埋骨台灣。

原以為電影內容不會有什麼我不知道的事，沒想到竟然觸及白色恐怖、黨國監控、台灣認同和中國認同的衝突。牧德合神父的遭遇，令我瞠目結舌，雖然在新教宣教師和瑪利諾會神父已有不少被國民黨政府迫害的案例，但在原住民區的法國神父，之前沒注意過。希望有機會挖出更多資料，深入探討。

片中觸及神父們如何阻止人口販賣，設立儲蓄互助社，收容更生人、精障及智障等社會邊緣人，做資源回收，為即將分離的家庭留下合影……，每一樣背後都是深深的愛，困難重重，潛藏危險。

影片中訪問到及拍攝到的人們，好幾位在影片完成前已去世。此片具有重要史料價值。

影片能呈現這個人人知道但不敢公開說出的事實，非常讚。

也不禁感慨，時代終於走到無懼展示黨國罪惡和遺毒的時候。

欽佩導演。致敬戴宏基神父。和懷念牧德全神父的人們一起流淚。

今天觀影時全場4人。怕很快下片。大家趕緊把握時機會，進電影院看。

紀錄片：《讓建築歌唱：徐亞英的交響人生》

 昨天終於欣賞了「讓建築歌唱：徐亞英的交響人生」。這齣紀錄片製作水準很高，影像、聲音、內容品質極佳，可以稱得上台灣的驕傲！導演楊守義映後解說，跟拍大師11年，紀錄他在世界各地的作品，實在令人感佩。

徐亞英1934年出生於中國，蘇州人，外公是首批留學歐洲的建築工程師，他很自然走上建築學之路，後來專門研究建築聲學。在鄧小平時代，他得到機會，買張單程車票，經過西伯利亞大鐵路，去到東德，後來又進一步去到西方世界，長居法國。他的事業是幫建築物設計所需要的聲音效果。

我們跟著影片走訪許多精彩的音樂廳、博物館，有些需要好的聲音反射，有的要設法讓反射降到最低，他因應需求想出各種策略，厲害極了，非常有意思。

這齣是那種應該要典藏起來、多看幾次的紀錄片。知識量豐富，裡面提到的音樂廳真想一一造訪。幸運的是，大師個人覺得很滿意的作品：衛武營音樂廳，我已有數次聆賞經驗。

他處理過的建築有新建的、成為古蹟的，玻璃的、水泥的、石頭的、木造的…..，圓形、方形、各種高度、不同大小…..。他和建築師不斷討論，也聽實際使用的音樂家的心得，影片中我們趁機也聽到、看到一些排練，極美的音樂片段。

劇本上導演做了很好的選擇與描述，觀眾可以輕鬆進入原本陌生的聲學領域，由衷敬佩並喜歡這位活力十足的聲學家。「把音樂廳當成樂器來設計」，大師的基本信念，非常清晰呈現。

最愛的是 Evian 的木造湖畔穀倉音樂廳那段。木造建築是有生命的」，木材逐漸變乾，聲音效果就會改變。30年後以新的設施改進。森林中的木造音樂廳，實在太美！現身其中的小提琴家卡普松，仔細說明改良後的廳如何讓音樂的細節呈現。導演和他聊起台灣經驗，他稱讚衛武營，才從導演得知衛武營正是同一位聲學顧問處理的，不禁向大師再三致敬。

感謝朋友告知包場機會，大大感謝吳雲天以個人之力辦包場。

映後看到導演，才知道映前劃位給建議、把票遞給我的正是導演本人！

貼文後導演來留言：

我也很喜歡 Evian 的穀倉音樂廳（La Grange au Lac ），當時是為了知名蘇聯大提琴家Mstislav Rostropovich羅斯托波維奇 而建造，建築師是 Patrick Bouchain（波憲）。所以整個木造建築之外，尖屋頂，白樺木⋯都是蘇聯北國的風情。

坐落在法國/瑞士 交界的日內瓦湖。這裡是Evian 礦泉水的湧泉區域。

知名小提琴家 卡普松 是這音樂廳夏日音樂節的藝術總監。跟你分享。

劇場：Sisila ila ila 別離之歌

 今天看的劇場：2026新點子實驗場 陳士惠《Sisila ila ila 別離之歌》Sisila ila ila: Saying Goodbye。

去年聽黃心芸的中提琴獨奏會，有一首陳士惠創作、和賽夏族古調合奏的曲子，令人驚豔。演奏家透露今年有這個劇的上演，很期待。今天在本劇上演第一天，很高興能入場觀賞，並參加演後座談。

《Sisila ila ila 別離之歌》這個作品，可說是中提琴協奏曲，加上動畫、皮影戲，現場演出和影像、錄音互相呼應。由黃心芸主演、主奏、主唱，另有一個五人的小型室內樂團搭配。

故事大要：開場是中提琴家的紐約日常生活，刷手機、練琴、被外在聲響干擾，日復一日。隨著冰淇淋車的音樂，進入1960年代在台灣的回憶，逛夜市、看皮影戲、唱「今天不回家」，音樂出現「思想起」，以及1960年代被採集的賽夏族祭典音樂。另外一段，是中提琴家進入大海，與鯨群嬉戲，傾聽鯨魚的歌聲。最後又回到紐約的日常，與室內樂團的合奏後結束。

作曲家陳士惠說，賽夏族音樂錄音，是德國神父鼓吹台灣音樂人去做田野蒐集，後來保存在德國東亞研究中心，2012年送回台灣典藏，有個以此為題材的創作計畫，於是她創作了一個七分多鐘的中提琴協奏曲，把這段錄音又帶到德國演出。她覺得這樣的文化保存和交流是重要的事件，值得讓更多人知道。「別離之歌」的別離，其實是珍重再見，彼此知道珍惜。

鯨魚的部分，是因為1960年代發現鯨魚會唱歌、交談，開始重視環境生態保育。鯨魚從人類食物變成值得保護的生命，改變世人對大自然、環境變遷、其他生物的看法。鯨魚是否跟我們說再見？還是我們向牠們說再見？希望能彼此珍惜。

美術設計很有意思！音樂超讚！

這個作品是三人合作：作曲家陳士惠、導演道格・費奇、中提琴家黃心芸。

劇場視覺創作是導演發想、畫圖，由另一位影像設計師完成。動畫裡的人物有中提琴般的頭，很有意思。皮影戲是導演畫圖後，請東華皮影劇團製作。

個人最感動的是鯨魚那段。上一段皮影戲當中的龍也來湊熱鬧。鯨魚也由皮影戲演出。鯨魚的聲音和樂團的演奏，呼應得很美，很想一直一直聽下去。

倒是作為主題的賽夏族音樂，淹沒在各種聲響中，直到最後才有一小段比較明顯的歌唱錄音，足以留下深刻印象。或許是為了表達這些音樂長期被忽視的命運，直到最近其重要性才被重新認識。

有人問為何唱了幾句「今天不回家」？黃心芸和陳士惠說明，這首姚蘇蓉的歌，是1969年的流行歌，帶著叛逆性，曾經被禁唱。她們覺得這首歌能表達1960年代的特質。黃心芸也特別推薦大家要去看中正紀念堂的展覽（應該是指「自由花蕊」）。

中芷和宜曄看了後，認為此劇的文化拼貼很任意、沒有核心意識，音樂和美術雖好，但整個藝術表現流於浮面。

確實看完對為何以賽夏族的祭典歌曲為題，感到摸不著頭緒。創作者的用意雖可理解，但若沒有解說，根本感覺不出這些素材的關聯。真有點可惜。

紀錄片：飛吧！熊鷹

 今天去電影院看了《飛吧！熊鷹》。

看完很想再重看12年前的《老鷹想飛》。

兩部電影是姐妹作，包括：導演梁皆得、旁白吳念真、配樂林強，主要合作對象是屏東科技大學鳥類生態研究室，主角是猛禽及其研究者，紀錄猛禽的生活，探討他們生存面臨的問題和可能的未來。

《飛吧！熊鷹》吸引人之處，一是因為熊鷹數量極少，飛翔的時間也不多，能夠拍到熊鷹在空中互相擊爪、彷彿手牽手，真是太難得。另外，熊鷹和排灣、魯凱的文化相關，熊鷹羽毛成為貴重的飾品和地位象徵，熊鷹保育和傳統文化如何兩全？電影帶出推廣仿生羽毛作為替代品的做法。為了研究必須設法到達鷹窠，必須登上無路可走的陡峭山壁，路程艱難，還得揹太陽能板上山，還有攀樹遇到虎頭蜂等等，一關一關都很險，但研究者們在鏡頭前都相當鎮靜無畏，很令人欽佩。

劇本寫得緊湊，扣人心弦。那些難得的鏡頭，即使重複好幾次也還想再多看幾次。

一開始熊鷹翱翔的鏡頭，讓我想到小時候有個老鷹型的風箏，仰望時就是那個樣子。飛翔的感覺太好了！

這齣很好看。配樂很加分。唯一覺得不太滿意的是幾段示意用的動畫，點子不錯，但製作粗糙，很可惜。還有，百步蛇化身熊鷹的故事，若能用更有美感的動畫來做，一定很好。（關於這點，孔佑尹留言表示不同意見：我反而喜歡這種動畫，質樸的好可愛。）

電影中提到保育必須和社區合作，找出兩全雙贏方式，研究者和主管單位也朝這方向努力，大家都知道只靠規定禁止是沒有用的，這種務實的態度很重要。

整理：Misa Criolla 中南美洲彌撒

昨天有臉友貼出卡列拉斯演唱版的Misa Criolla，這是我最愛的唱片之一，荒島唱片選擇之一。因此在YT上又找了好幾個演唱錄影和唱片來聽。

這部作品，音樂本身迷人，而且是梵二大公會議精神產物，這是成為最愛的原因之一。

男高音卡列拉斯的唱片是最初聽到的版本，優雅漂亮，很好聽。後來苦桑介紹阿根廷祖媽Mercedes Sosa版，味道不同，深入靈魂。也聽到在梵諦岡的彌撒，教宗方濟的時代。剛剛在聽的是紀念作曲家的一場比較像流行音樂的演出。

今天第一次聽1964年首度錄唱片的版本，很震撼！大推！

相關版本今天有空再慢慢於留言處貼出。

以下是潔米妮告訴我的：

《中南美彌撒》（Misa Criolla）**是阿根廷作曲家**艾利爾·拉米雷茲（Ariel Ramírez）在 1963 年至 1964 年間創作的傑作。這部作品在西方音樂史與宗教音樂史上具有里程碑式的意義，因為它是梵蒂岡第二屆大公會議（1962–1965）允許天主教彌撒使用地方語言後，**最早改用非拉丁文（西班牙文）寫作，並融合本土民間節奏的常規彌撒曲之一。**

「Criolla」一詞通常指歐洲裔在拉丁美洲出生的後代或當地的混血文化，因此這部作品常被翻譯為《中南美彌撒》或《克里奧爾彌撒》。

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## 創作背景與靈感

拉米雷茲創作這部作品的靈感，源自於他 1950 年代旅居歐洲時的一段經歷。當時他在德國遇到了一對修女姐妹，她們在二戰納粹統治期間，曾冒著生命危險偷偷送食物給集中營裡的囚犯。

這段展現人性光輝與無私大愛的真實故事深深震撼了拉米雷茲。他回到阿根廷後，決定創作一部向生命與信仰致敬的音樂作品，並與詩人菲利克斯·盧納（Félix Luna）以及神父亞歷杭德羅·馬尤（Alejandro Mayol）合作，將傳統彌撒的西班牙文譯本，完美揉合阿根廷與安地斯山脈一帶的民間樂風。

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## 音樂結構與南美民俗節奏

《中南美彌撒》編制為獨唱、合唱團，並搭配鋼琴、傳統南美打擊樂器與安地斯民俗樂器（如：恰蘭哥琴 charango、排簫 Siku、肯納笛 quena）。全曲維持傳統天主教彌撒的五個常規部分，但每一部分都注入了獨特的拉丁美洲傳統節奏：

* **1. 垂憐經 (Kyrie)**：採用了源自阿根廷西北部阿根廷高原（Altiplano）的巴格拉（Baguala）**與**維達拉（Vidala）節奏。帶有一種蒼涼、孤寂且神聖的氛圍，表現出荒原中向天主呼求憐憫的深沉情感。

* **2. 光榮頌 (Gloria)**：轉為熱烈歡騰的卡納瓦利托（Carnavalito）**與**亞拉維（Yaraví）舞曲節奏。節奏強烈躍動，展現出拉丁美洲慶典式的喜悅與讚美。

* **3. 信經 (Credo)**：使用了阿根廷中部著名的恰卡雷拉（Chacarera）鄉村舞曲節奏。這種 6/8 與 3/4 拍複合的切分音節奏，賦予了信仰宣告一種堅定、熱情且富有草根力量的律動。

* **4. 聖哉經 (Sanctus)**：採用玻利維亞與阿根廷北部的卡利優（Carnaval de Humahuaca / Carnavalito）節奏，帶有明快的南美山區慶典風情。

* **5. 羔羊頌 (Agnus Dei)**：以帕姆帕斯平原（Pampas）溫和抒情的風格舞曲（Estilo）作結。音樂在宣敘調般的吉他與合唱中，緩緩祈求世界獲得最終的和平，氣氛安詳而寧靜。

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## 經典錄音版本

這部作品自面世以來就被廣為傳唱，其中最著名的錄音莫過於以下兩個時期：

1. **1964 年首演原版**：由拉米雷茲親自彈奏鋼琴，並由傳奇民謠合唱團 **Los Fronterizos** 擔綱獨唱。這個版本充滿了最道地的阿根廷泥土芬芳與民謠粗獷、真摯的生命力。

2. **1987 年卡列拉斯版**：著名西班牙男高音荷西·卡列拉斯（José Carreras）與拉米雷茲合作錄製。卡列拉斯將美聲唱法的抒情與戲劇張力，融入南美的節奏中，讓這部作品成功打入西方主流古典樂迷的視野，成為全球發行量極高的經典版本。

《中南美彌撒》之所以偉大，在於拉米雷茲打破了宗教音樂嚴肅、冰冷的學術高牆。他用最貼近人民生活的樂器與節奏，將神聖的宗教情感轉化為人人都能感同身受的、充滿溫度的生命之歌。 

繼續聽Misa Criolla中南美洲彌撒。找出卡列拉斯演唱的名盤，真是非常好聽啊！

這張唱片最前面五首是Misa Criolla，接著是Navidad en Verano（夏日聖誕），最後是六首Navidad Nuestra（我們的聖誕）。

後面這些為聖誕節創作的歌曲，即使不懂西班牙語，還是很有共鳴，每首的旋律都很容易在腦中盤桓不去，想跟著唱。

不知道阿根廷的聖誕節，商場播放的是叮叮噹，還是這些聖誕歌？

世界各地本來就應該要有自己的聖誕歌。台灣也有很好聽很美麗的聖誕歌。希望聖誕節期能聽到更多世界各地不同的聖誕歌。

以下由Gemini提供：

阿根廷作曲家兼鋼琴家艾利爾·拉米雷斯（Ariel Ramírez, 1921–2010）是 20 世紀拉丁美洲民族音樂復興運動的靈魂人物。這三部作品完美融合了天主教宗教傳統與阿根廷及安地斯山脈的民間原住民節奏，其中《中南美彌撒》與《我們的聖誕》更常被視為孿生姊妹作，在 1964 年以同一張唱片面世。

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## 1. 《中南美彌撒》 Misa Criolla (1964)

這不僅是拉米雷斯最著名的代表作，也是二十世紀宗教音樂史上的里程碑。

創作背景：在 1962 年梵蒂岡第二屆大公會議之後，天主教會放寬了必須使用拉丁文舉行彌撒的限制，允許各國使用在地語言與音樂。拉米雷斯遂與神父、詩人合作，將傳統的彌撒常講文（Ordinary of the Mass）翻譯為西班牙文，並注入生氣蓬勃的拉丁美洲民間節奏。

音樂架構與節奏：全曲分為傳統彌撒的五個部分，每一部分都對應了特定的南美本土舞曲節奏：

1.Kyrie（垂憐經）：採用阿根廷北部高地的 **Baguala** 與 **Vidala** 節奏，氣氛單純、沉靜而帶有孤寂感。

2.Gloria（光榮頌）：轉為極具爆發力的 **Carnavalito** 舞曲，並融合玻利維亞山區的 **Yaraví**，充滿慶典的歡愉。

3.Credo（信經）：使用阿根廷中部彭巴草原的 **Chacarera** 節奏，節拍強烈，象徵堅定的信仰。

4.Sanctus（聖哉經）：採用玻利維亞高地的 **Carnaval de Cochabamba**，節奏輕快而神聖。

5.Agnus Dei（羔羊頌）：以南方彭巴草原的 **Estilo** 風格作結，旋律優美而帶有懇求的哀傷。

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## 2. 《我們的聖誕》 Navidad Nuestra (1964)

這是一部民謠風的聖誕清唱劇，由拉米雷斯與阿根廷著名詩人費利克斯·盧納（Félix Luna）共同創作。

創作背景：與《中南美彌撒》純粹的禮拜儀式文本不同，《我們的聖誕》由盧納撰寫全新的西班牙文詩詞。他將聖經中的耶穌誕生故事「本土化」，把場景直接搬到了阿根廷的鄉間與原住民部落，連東方三博士帶來的禮物都變成了當地的特產（如馬黛茶、奶酪）。

音樂架構與節奏：全曲由六首歌曲組成，訴說著聖誕故事的六個經典場景，同樣由不同的民俗節奏構成：

1. La Anunciación（天使報喜）：**Chamamé** 節奏（帶有阿根廷東北部原住民與歐洲移民融合的風格）。

2. La Peregrinación（朝聖/尋找客店）：**Huella** 節奏。這首哀傷而優美的歌曲在拉美世界極具知名度，描繪瑪利亞與約瑟在寒風中跋涉。

3. El Nacimiento（基督誕生）：安地斯山脈抒情的 **Vidala-catamarqueña**。

4. Los Pastores（牧羊人）：充滿活力的 **Chaya riojana** 節奏，歡慶嬰孩的誕生。

5. Los Reyes Magos（三博士來朝）**：歡快的 **Takirari** 節奏，充滿敲擊樂器的色彩。

6. La Huida（逃往埃及）：緩慢、哀泣的 **Vidala tucumana**，表現躲避希律王追殺的緊迫感。

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## 3. 《夏日聖誕》 Navidad en Verano (1970)

這是拉米雷斯與老搭檔費利克斯·盧納在 1970 年再度攜手創作的聖誕主題作品。

創作背景：對於身處北半球的絕大多數人來說，聖誕節的意象總是與大雪、寒冬和壁爐聯繫在一起。然而在拉米雷斯的故鄉阿根廷，12 月正值盛夏。這部作品正是從「南半球的炎熱聖誕節」這一獨特視角出發，打破了傳統歐洲聖誕音樂的刻板印象。

音樂特色：這部作品在結構上較為精簡（常以單樂章或組曲形式呈現），音樂氣氛溫暖、明亮、洋溢著夏日彭巴草原的微風與熱情。它較少使用安地斯山脈的高原樂器，而是更多融入了阿根廷城鎮與平原間的當代民謠（Folkloric quintet）風格，吉他與打擊樂的編排更加靈動。

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## 演出編制與音樂美學

這三部作品的獨特魅力在於其**配器法**。拉米雷斯拒絕了傳統西方古典音樂厚重的管弦樂團編制，而是指定使用拉丁美洲的本土樂器來伴奏混聲合唱團與獨唱：

* **恰蘭哥琴 (Charango)**：由犰狳殼或木頭製成的小型十弦琴，聲音清脆高亢。

* **肯納笛 (Quena) 與排簫 (Siku)**：安地斯山脈傳統的竹笛與風笛，帶有泥土與荒原的氣息。

* **阿根廷大鼓 (Bombo Legüero)**：傳統的木製大鼓，蒙上山羊皮，聲音深沉而富有彈性，是全曲節奏的靈魂。

* **鋼琴與吉他**：作為和聲的基底。

拉米雷斯透過這些作品證明了，最泥土、最在地的民俗音樂，同樣可以承載最神聖、最深邃的精神信仰。不論您是從宗教音樂、合唱藝術還是世界音樂的角度去聆聽，都能感受到其中無與倫比的生命力。

紀錄片：神木之島

 李香秀導演的紀錄片《神木之島》非常好看，周邊朋友讚不絕口，連在偏鄉當牧師、已經很多年沒有進電影院的我妹，都把握機會在回嘉探望父母時趕上一場。

「找樹的人」團隊一次又一次進入前人未曾到達的深山，探訪台灣尚存的巨木，攀樹調查測量，還用自己的資源切除索道木身上的鋼纜，配上Cicada精彩配樂，非常動人。觀看時，也不能不敬佩攝製團隊的能力和毅力。

認識片中女主角徐嘉君，多年側旁觀察她從樹冠層生態研究一路走到巨木調查，堅持走出前所未有的路，不僅是學術研究，更帶動一波多人參與的生態運動，不斷捲入各方的關注，匯聚成更大的聲勢。成為報導的對象，成為電影的女主角，據我所知並不是她所愛，但透過這些傳播方式，若能讓更多人關注台灣森林的重要性，建構應對氣候變遷有用的政策，我想她也願意不惜色相拋頭露面。

期望看過電影的人，能進一步關注「找樹的人」粉專、購買《找樹的人2─台灣巨木地圖全紀錄》。

近日重要的訊息，研究團隊發表有關台灣巨木搜尋的論文，被國際期刊接受，6月5號就要上架。目前已有不少國際媒體訪問作者。論文的發表，可能把這個研究成果推向另一個高峰。

而找樹的人團隊，早已展開另一個研究旅程，調查平地猶存的巨木，苦楝、茄苳、樟.......在我們生活周邊很熟悉的樹木，有多少老樹存留下來？

其實除了神木之島以外，找樹的人團隊早已是許多紀錄片或新聞團隊關注的對象，可以找到不少拍得很好的短片。

印象深刻的是前年還是去年，參加找樹的人活動，看了一齣還未完成、尚未公開的紀錄片，題材就是神木之島中也大量提及的拯救被鋼纜綁住的索道木大樹。找樹的人在官方不打算處理的狀況下，自力研究出方便攜帶的切割器材，用自己的資源採買、辛苦帶上山、上樹，終於成功切除了幾處索道木身上的鋼纜。這題材非常感動人，可以放在林業史的脈絡中，期待這部進行中的紀錄片能得到足夠資源完成。

另外，關於神木之島還想講幾句。片名用了神木，但找樹的人團隊一直用的是巨木。他們並不想神話化這些樹。但是片中攀樹前他們會擁抱樹、對它說話，請求順利攀登，那幾個鏡頭極有意義。與大樹成為好同伴，彼此祝福幫助，沒甚麼比這個更美的。

在看電影時，心中不斷浮現托爾金《魔戒》中的樹人。越來越像樹的人，具備樹的特質的人，力量非凡的樹人。行動明快、果斷剛強的嘉君大概是快枝。

紀錄片：甘露水

 兩個禮拜前看了電影「甘露水」，以此雕像的身世為題材，很有意思，很喜歡。

後來看到不少觀影感想，對此片的呈現手法不太能接受。不意外。在北師美術館甘露水重新面世的展覽時，特地看了展覽方委託的解說紀錄片，大篇幅特寫雕像遭污損部分、說明修復的策略，但不像一般說明用的紀錄片那樣，提供充分的資訊讓我們知道影片中出現的人物是誰、他們在做什麼、這作品和作者的基本資料等等，而是讓我們看到很多推得很近、近到辨認不出在拍什麼的鏡頭。總之，看得很辛苦，有種莫名其妙的感覺。

不過，這次觀看長片「甘露水」，已熟知作品誕生及其被收藏的故事，也比較懂電影導演的手法，接受度變得很高，很讚嘆導演的用心。他們試著了解黃土水的藝術世界，呈現他的生命態度、他在藝術史中的地位。下半段則是藉收藏者張醫師一家的回憶，勾勒出戰後政權轉換帶給本地文化人的衝擊，台灣人隱忍待機的生存之道。片子一開始用蛤蜊物語詮釋甘露水之名，繪本呈現引人入勝，下半段插入張深切製作的電影邱罔舍，神剪輯呼應威權統治下的日常和文化反抗，真是妙！

如果你欣賞「日曜日式散步者」，應該會喜歡「甘露水」。如尚未看過「日曜日」，一定要找來看！那是另一齣神級藝術紀錄電影。

影集：靈魂之伴

 看完NF的影集《靈魂之伴》最後兩集(7-8集)，靜靜流淚，遺憾的同時又覺得療癒。

第6集以「銀河鐵道」為題，運用宮澤賢治的名作，點出死亡帶來的衝擊、無私之愛以及兩位主角之間的羈絆，很動人。

喜歡劇中不限血緣的家庭，共居、一起照顧幼兒、互相支持幫助，正是這時代應該會越來越普遍的多元成家。

喜歡內斂、不嘮叨、靠細緻表情的演戲方式。幾個場景就交代完日常生活的樣貌和所需面對的問題。看似歲月靜好的生活，卻總有陰影潛伏。未曾說出口、卻彼此深深相知的愛意，在最後最後才讓人又痛又感動。

主演磯村勇斗、玉澤演、橋本愛，都非常出色。韓國歐巴真的超厲害啊！

磯村勇斗飾演的琉，是好命的孩子，雖然自己很難原諒自己，卻總是盡心盡力愛身邊的人。他的父母對他也全然支持，而且把鄰居孩子視如己出，又完全接納琉帶回家的外國人。很理想化的一家人，但我相信有這樣全然善良的人存在，我的周邊就不少。

玉澤演飾演的黃約翰，人生悲慘，苦苦掙扎，看漫畫是他最大興趣與救贖。劇中出現不少漫畫書，但都沒有讓我們看是什麼作品，不過最後一集有露出約翰最早看的漫畫之一是手塚治虫的《火鳥》。覺得這個梗的運用和《銀河鐵道之夜》一樣重要，《火鳥》、《銀河鐵道》都有強大的普世性、悲劇性，詮釋深刻的愛與救贖。

有段在溪裡釣香魚的場景，則是呼應了電影《大河戀》。

啊，飾演琉的父親，只有幾個鏡頭的，竟然是三浦友和。

編劇兼導演喬爪駿輝，1991年出生的年輕創作者。這是第一次接觸他的作品。感覺有點村上春樹的味道。

一天三場紀錄片

 一口氣看完三部新上檔紀錄片。住南港很幸福。

甘露水，以黃土水傳世之作爲題材，原本以為是北師展覽期間放映的短片加長版，結果並不是，而是一齣完全的新作。精緻、精彩、令人讚嘆。看得十分感動。同場人數不多，出來後一位同場陌生女士抓著我和另一位觀眾大談對甘露水出土故事及該雕塑作品的感動。

神木之島，因為長期關注找樹的人，又認識嘉君很久，所有內容都很熟悉，但仍然非常感動。走別人沒走過的路，做沒人做過的事，這群深入台灣森林的人，令人佩服，完成此作的李香秀導演也是。大鬼湖空拍美得難以想像。

神奇女伶高菊花，片子有點短，所有內容之前已經都知道，這些只是她人生小部分切片，故事還有待繼續好好說下去。聽到她的聲音、容貌，看到她日記的部分內容，感觸良多。期待她的日記出版，也期待高英傑老師寫的家族故事。

紀錄片：風吹

李惠仁的「風吹」放映會，感謝培苓幫我要到票，得以觀賞這齣以刺蔣案黃文雄為主角的紀錄片。

必須講刺蔣案，是因為太多人叫黃文雄，只好以此標記。但此片重心在Peter這人的人格特質，和一生致力於反抗威權、推動人權意識落實的思想與作為。頑固、龜毛、鍥而不捨，是與他相處過的人的基本印象。這些，是一位社會運動者的特質。

他說他為台灣做的最重要的事，是促成台灣成為七個人權公約的簽約國，人權公約國內法化一步步推進，必須接受國際審查。

這是超越刺蔣案革命英雄形象、更加深入探討一位革命者的影片。

很難得。

動畫劇集：蒲公英

 Netflix上的動畫《蒲公英》，好瘋好好看。無厘頭的劇情，令人訝異的展開，每集都笑到不行又感動到哭。

目前看到第四集。

漫畫原作是《銀魂》的空知英秋。

主角是天使聯盟送迎部的天使，負責追擊留戀世間的亡靈，一槍將他們送去安息。但主角們業績不好，總是在一個亡靈身上花太多時間，幫助他完成最後願望.......

想到基督教信仰中機拯救靈魂的任務，羊九十九的典故，還有上帝說：「我必不撇下你，也不丟棄你。」不管什麼樣的人，甚麼樣的靈魂，都有一絲靈明，都在上帝光照下。

不過，動畫中的天使組織就如大型企業，拚業績，講效率，非常諷刺。

觀賞日本傳統藝能和狂言

 4月24日在高雄至德堂欣賞「日本江戶傳統藝能之夜」，很有意思。

導演田中傳次郎為歌舞伎囃子（負責歌舞伎音樂），其長兄繼承父系的能樂囃子，二兄和他繼承母親的歌舞伎囃子，三兄弟組成三響會，推廣傳統藝能。

開場是武道居合道的舞刀，緊接著太鼓和津輕三味線的合奏，再來是兩段邦樂演出：三番叟和船弁慶。上半場讓人體會和傳統劇場相關的音樂特色。下半場則是淺嚐歌舞伎是怎麼回事，囃子在其中的重要性。除了負責奏樂和唱的人之外，由一位年輕的歌舞伎女形演出兩段舞蹈：島之千歲、石橋。前者原是白拍子女扮男裝的舞，本場由歌舞伎女形著男裝演出，有女形特有的柔媚，又有男性應有的英挺，非常奇妙；後者是演出獅子，強健美麗的母獅，也是妙不可言，令人看呆。兩段舞蹈之間，演出者大谷廣松把原應在後台進行的化妝和著裝直接在台上進行，成為表演的節目，讓人一窺歌舞伎的幕後準備。看過電影國寶的人，心中複習後台幾景，會覺得「啊！原來如此」。

很難得的演出。走出會場時聽到的都是讚嘆，有人說：「明年還會不會來？」我也很想再看啊！

這套節目當然只是讓人淺嚐，不過端出來的都是真才實料的精選。大部分演出者都很年輕，卻已是自己所傳承技藝的繼承人，宣示傳統持續不斷的實況。宣傳國粹就要這樣才有力。

衛武營的「萬作之會狂言劇場」，看了4月25日下午場。

有三個劇目。二人袴，憨直女婿上岳家，和父親共用一件禮袴的尷尬，野村裕基主演，輕鬆趣味，周遭不時傳來笑聲。

月見座頭（盲人賞月），國寶95歲的万作主演，追著蟲鳴欣賞秋夜之美的盲人，遇到陌生人一起談詩飲酒很愉快，然而結尾卻是人性本惡的悲涼。万作身段和聲音都非常讚，一人掌控整個空間氣場，最後的背影令人感慨良久。看到這樣的人這樣的演出，感動難以形容。

最後壓軸是萬齋的獨舞波麗露，將傳統祭典舞蹈的三番叟，配合拉威爾名作，呈現四季輪迴、破壞與新生的宇宙規則。全場演出令人屏息以對，感受陰陽師強大神力，覺得真正經歷一場息災法事，受到很大安慰。

高雄聽藝術歌曲講座

普列加迪恩X基斯的藝術歌曲之夜，明晚在衛武營。今天下午Hskin藝術空間舉辦免費講座，兩位大師親切談論對即將演唱的作品的看法，包括舒伯特、舒曼、馬勒。蔡永凱教授主持兼翻譯。第二段時間，蔡教授繼續解說舒曼的艾辛朵夫之歌。

普爸是當今最佳德國藝術歌曲詮釋者，前年聽了他的舒伯特三部聯篇歌曲，餘音繞樑，更繞心頭。最驚艷的美麗的磨坊少女，4月16日在台北我要再聽一次。

基斯和普爸合作，今年是第50年！他們第一次合作就是演出美麗的磨坊少女。兩位的個性極不同。覺得就像赫曼赫塞小說人物來到眼前，理智與情感，納祈思和戈特蒙。基斯也像漂泊的靈魂中的克努培。兩人的對照極有趣。那麼不同的人，音樂上卻碰撞出極美的契合。普爸當場唱了舒曼歌曲環（艾辛朵夫詩作）的三首，後來又唱馬勒少年魔號選曲一首。近距離聽，真是太奢侈太美好。

他們對歌曲內容和作曲家的看法，很精彩。另則再寫。 
夜深了，但還是想把今天聽到的東西稍微記一記再去睡。

今天特地到高雄，參加【Hskin藝術沙龍｜舒曼 × 艾辛朵夫 藝術講座暨男高音普列加迪恩座談會】。

前半段由蔡永凱教授主持，訪談德國抒情男高音普列加迪恩（Christoph Prégardien，以下簡稱普爸，因為還有另一位同姓的著名男高音是他兒子），以及他這次的鋼琴夥伴，也是50年來常常合作的基斯（Michael Gees）。

一開始主持人問他們如何相遇，各自的音樂生涯歷程。普爸說他從唱詩班的童聲Solo開始，因為表現好所以就進了法蘭克福音樂學院，逐漸成為專業的聲樂家。他和基斯自1986年起合作，第一個共同演出的作品就是美麗的磨坊少女。基斯沒有談自己怎麼成為鋼琴家的，只講了和普爸第一次認識時，他不知道怎麼和這個人交談，沉默許久，後來在等紅燈（他說明德國的紅燈要等很久很煩）時，兩人不知為何大笑不止，從此破冰。

之後談到這次要演唱的作品。他們怎樣看待這幾位作曲家：舒伯特、舒曼、馬勒。

普爸說，舒伯特雖是19世紀的音樂家，音樂態度卻比較朝向18世紀，美感接近莫札特，聲音要求工具性（我的理解是要求精確、無暇），對年輕的歌者是很大的挑戰。舒曼就很19世紀，要求很好的歌唱性，相對比較容易表現。馬勒則是很純淨，現代人比較能掌握他想表達的情感。

基斯說，了解這些音樂家，需要把他們放到歷史情境中認識，不同的情境，不同的人生，影響他們的音樂態度。巴哈、舒伯特，一生就是不斷創作音樂，以此為天職，以此為信仰。但是貝多芬就想藉音樂表達自己的思想，一種主動的、強烈自我的表達，和當時的政治社會強力對話。馬勒和貝多芬的路線比較像。舒曼的作品則反映出他人生階段的各種情感起伏，也屬於這組。他自己和馬勒最有共鳴。

再來的問題是有關這次演出的作品，喜愛某首及喜歡的理由。蔡永凱特別提到，舒伯特的歌曲〈漁夫的愛之樂〉不常有人唱，但這次他們選了這首。基斯說這是他的愛曲，四段歌詞，旋律一樣，但每段要表達出不同的意義，非常有意思。普爸說這種旋律重複的，對歌者來說，有詩文輔助，比較容易掌握每段應該有的表情，但鋼琴就很難，可是基斯很會，每次都有很不一樣的表現。他們也提到，現場演出每次都會不大一樣，這也算是一種即興。

之前有段基斯談他有名的即興表演。他說即興需要的是勇敢，願意迎向未知。

接著他們談了有關舒曼歌曲環作品39（艾辛朵夫詩），各自喜歡的曲子，以及這部作品的各種妙處。

最後談到馬勒的少年魔法號角。

基斯說，馬勒在他的時代是維護傳統的勇者，荀白克是探索新世界的先鋒，沒有人知道後世會怎樣看。馬勒的少年魔法號角，第一首不斷在說：我沒事、我很好，表現得很倔強，但其實內在痛苦得快要崩解。

普爸說，馬勒這部曲子一開始構想就是由管弦樂伴奏，所以鋼琴譜寫得像草圖，不好彈。後來常常用的鋼琴版本是管弦樂版的縮寫，但他覺得還是該找原譜來用，雖然真的很難，幾乎無法彈。

電影：戰火之聲

 「人生真是爛透了。」

「那就唱歌吧！」

看了BBC電影「戰火之聲」（The Choral），簡單記一下。

1916年，曼徹斯特附近的小鎮，照例想演出馬太受難曲，但合唱指揮從軍去，合唱團員也不夠，工廠老闆兼市議員兼合唱團團長，找來一位音樂家，重新組織，曲目也換成英國作曲家艾爾加的〈傑隆提斯之夢〉.......

不到兩小時的電影，故事不複雜，但內容極豐富。觸及戰爭、國族情感、教派歧見、藝術的意義、作品詮釋和創作的權利、音樂的力量.......

很典型的英國電影。冷冽的幽默、簡潔精準的鋪陳、內斂卻充滿張力的情感表現......。

最好的是，跟著合唱團練唱、演出，深入欣賞艾爾加的〈傑隆提斯之夢〉──以紐曼主教的詩譜成的精彩神劇，探討死亡、善惡之爭、靈魂的昇華。

一邊看一邊覺得，所有唱合唱的人們，以及喜歡音樂的人，都該來看這部電影，一定會覺得很有收穫。

而戰火威脅中的世界，也需要這樣的電影。

這齣從看到預告片就很想看，現在各大串流平台都上架了。真好。

發現Jamie Barton

 因為尋找卡地夫歌唱大賽相關資料，發現了2013年大獎及藝術歌曲獎雙得主的女中音Jamie Barton，接著在YT看到2021年的一齣短片〈In Song: Jamie Barton〉，剛剛看了兩次，非常感動。

這短片主要內容是古典音樂及歌劇明星Jamie Barton回到故鄉：喬治亞州的偏遠鄉下，一趟尋根之旅，回到小時候和父親一起唱歌的教堂，又和班鳩琴大師Béla Fleckck合作，唱了Purcell的歌曲，又唱美國傳統民謠：葬我於柳樹下。

她的歌聲，可以極戲劇性，也可以極溫暖、自然，一聽入迷。

然而這短片不只表現她美麗的聲音，更是她探源回歸的宣示。看到她和一位老者(應該是她爸爸)一起在教堂中合唱福音歌曲，我自己從小在教會唱聖歌隊的記憶深深被擾動。出乎意料的是，她在和沉默老者談話時，談起她在一個父親節的前日向父親出櫃並獲父親接納之事。這幕太感動人了。

短片連結：https://youtu.be/kiUj4Uer5mA?si=k8aFXKuk96W5Ob0u

以下簡介部分依賴Gemini的翻譯及整理：

這齣名為 《在歌中：潔咪·巴頓》(In Song: Jamie Barton) 的短片，是舊金山歌劇院（San Francisco Opera）製作的獲獎紀錄短片系列之一。這部約 18 分鐘的影片不僅是一場音樂表演，更是一次深入靈魂的尋根之旅。

對這名少女而言，古典樂曾是她的叛逆方式。深夜裡，收音機傳出的旋律讓她心醉神迷，帶領她逃離喬治亞州的鄉村生活，去追尋遠方的夢想。

如今，在歷經世界各大舞台的洗禮、成為享譽國際的女中音後，潔米．巴頓（Jamie Barton）準備回歸那份最初啟發她的音樂。紀錄短片《在歌中：潔米．巴頓》（In Song: Jamie Barton）將帶領觀眾走進阿帕拉契山脈翠綠的連綿丘陵，探索巴頓的音樂根源——從藍草音樂（bluegrass），到父親親手傳承給女兒的教會和聲。

本次特別邀請到 15 屆葛萊美獎得主、班卓琴大師貝拉．佛萊克（Béla Fleck）跨界助陣。兩人共同重新演繹了亨利．普賽爾（Henry Purcell）的經典名曲《音樂片刻》（Music for a While），以及傳統民謠《將我埋在垂柳下》（Bury Me Beneath the Willow Tree）。

精彩的特菲爾

 今天晚上將聆賞特菲爾（Bryn Terfel）與梵志登指揮的長榮交響樂團合作的獨唱會。

昨天先去聽了「歌劇與指揮的交會－特菲爾與梵志登的世紀音樂對話」的演前座談會。以下簡記特菲爾回答的部分。

這場由張尹芳指揮主持，負責提問，提的問題主要都是專業但有點空泛的問題：歌劇演唱者怎麼看待交響樂團？交響樂團指揮在處理交響樂和歌劇時是否有所不同？.....等等。我帶著睡意聽提問、翻譯、回答，梵志登回答時我真的快睡著了，但是特菲爾一出聲我就醒過來。他表情生動，伴隨著手勢，簡單明瞭說明歌劇是一個需要各方合作的演出，舞台、樂團、歌者、合唱團，而最重要那個人就是樂團指揮，他站在那哩，將一切統合起來，讓整個演出成為可能。

在另一段的提問有關對青年歌手的建議，特菲爾回答說，最重要的是要打開耳朵，好好聽，好好學。他提到自己年輕時曾經不理睬指揮的指示，結果很糟，他學會不要太自我中心。要隨時做好準備，順應各自種情況。他提到自己曾經在柯芬園唱托斯卡，連續三天跟三個不同的女主角對戲，因為女主角一個個生病了，這讓他非常緊張，必須隨時繃緊神經。他說，每個歌手唱得最好的時候就是在自己的工作室練唱時，但在舞台上要和整個空間、其他歌手及樂團合作，每天都有不同情況。

當提問問到他是否會投入教學工作？他直率地說：不會。他知道不少同僚都會開大師班，並且從中得到很多肯定，不過那很辛苦，花很多力氣，他選擇不要。他說自己會的就是唱歌，職業生涯遇過很多很好的老師，他會一輩子繼續一直學習唱歌，而不是去教人。他說他能夠提供甚麼呢？頂多是自己的職業生涯經驗，但是這真能幫助人嗎？每個人的境遇都不一樣，每個人都只能靠不斷練習、不斷學習，爭取機會。

但他也補充說，他並非不和青年歌手接觸。透過BBC卡地夫歌唱大賽（他就是透過此比賽崛起）的評審，支持青年歌唱家，提供獎金，就這樣默默低調進行。他講得不太多，簡單查一下，多年來他是卡地夫歌唱大賽的評審、藝術顧問，並在電視轉播時擔任評析專家。2005他成立了一個藝術歌曲獎（Sir Bryn Terfel Song Prize），獎勵就學中的青年歌手，參賽規則很有意思：

1.一首由特菲爾指定的威爾斯語歌曲（2025 年指定曲為 Meirion Williams 的 Pan ddaw'r nos）。

2.一首代表參賽者自身文化或母語的歌曲（強調文化多樣性）。

3.一首自選的經典藝術歌曲（Art Song）。

開放提問的時間，我想問：「威爾斯對你而言有何意義？」不過沒有得到提問的機會。其實這題不必問，他對自己故鄉的重視和貢獻，有目共睹。他唱威爾斯語的歌曲時，其動人力量遠超過其他演出，經常令人落淚。他對母語的重視，令人感佩。

開放觀眾提問，幾個問題都得到很好的回答。談到演唱的場地，他說最喜歡的是倫敦的柯芬園、威格摩爾廳（Wigmoe hall）、波士頓的交響廳。紐約大都會歌劇院很可怕，五千個座位，你只要轉個頭沒有正對觀眾，他們就聽不到你唱什麼。因此，舞台設計極為重要，最好多用木頭和大理石，千萬不要用吸音的地毯。

最後一位提問時，他突然眼睛亮起來，說：「好美的聲音！你是歌手嗎？」對方回答是男低音，他用手勢先用兩指指自己眼睛，再指向他，做出「我看好你」的表示。這位提問的是：「如何掌握歌劇角色的性格和感情？」特菲爾認真回答：歌手需要一個團隊協助，語言老師、劇本老師、歌唱老師.....，熟練所演唱角色的語言，深入了解每句唱詞的意義，再加上為角色設計的唱法。他說至今他還是非常仰賴這些不同專長的專家協助，他還是跟著歌唱老師練習。

雖然他說對從事教育工作沒有興趣，但他充滿溫暖、關懷的態度，我想對青年歌手有非常大的鼓勵和啟發。能夠親炙這樣的大師，真是美好難得的經驗。

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得到大獎的Dmitri Hvorostovsky，在YT上可以看到很多他的演出錄影。後來的他頂著一頭白髮，外型帥極了，歌聲美極了。可惜2017年因為腦癌去世，非常令人惋惜。

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3月10日補記

3月8日的演出，成為某種痛苦的記憶。

坐在四樓第一排，聲音的效果應該不錯。

但是范志登指揮的長榮交響樂團，並未和歌者做好的配合，常常蓋過歌者的聲音。
感覺特菲爾唱得聲嘶力竭，聲音還是傳不出來。
上半場華格納的音樂未能展現出應有的戲劇性，而是一味大聲，節奏呆板無趣，令人坐立難安。

下半場稍微好些，但是特菲爾已經累了，聲量減了。

曲目很精彩。特菲爾唱作俱佳，非常敬業。
但音樂廳的環境、搭配的樂團，令人覺得很對不起這位巨星。

波多野睦美X許佳穎

 2026年1月23日聽了一場很美好的音樂會：「之間 in between.」音樂會系列 三。

摘錄節目介紹：

「之間」不僅是樂器間的對話，更是語言與音符、東方與西方、古典與當代之間的深層探索。本次場音樂會：系列三鋼琴家許佳穎邀請日本女中音波多野睦美（メゾソプラノ）Mutsumi Hatano攜手合作，透過橫跨四個世紀的聲樂作品，從歐洲各時期的經典，到日本當代作曲家對傳統民謠的現代詮釋，展現人聲藝術的無限可能。這場音樂會不僅延續「之間」系列對音樂本質的探索，也展現聲樂藝術跨越時空的永恆魅力。

 

本場演出選曲涵蓋巴洛克至當代的聲樂與鋼琴作品，從英國巴洛克作曲家普賽爾 〈Music for a while〉出發，經由舒伯特藝術歌曲中對情感的細膩描寫，至日本作曲家間宮芳生《日本民謡集》與高橋悠治《Die Zeit》等當代創作，呈現...，呈現人聲與鋼琴共同描繪的多重樣貌。展現跨越時代與文化的音樂語彙。

音樂會一開始，波多野睦美一席大紅晚禮服，許佳穎則是低調的白上衣黑裙褲。一頭長鬈髮的聲樂家第一首歌就深深抓住在場人的心。以Purcell普賽爾兩首關於音樂的歌曲開場，唱法感覺很自然，不大聲但夠響，可以充滿整個演奏廳，而咬字之清晰、每句音樂表情的細微變化，令人佩服！

第三首是韓德爾的Lascia ch'io pianga（讓我哭泣吧），是耳熟能詳的名曲。她唱的意境很合歌詞，悲嘆著祈求自由，沒有太戲劇化的花腔，但一句句都充滿力量，令人落淚。

再來是莫札特兩首戲劇性強烈的歌曲。懷念舊時代的〈老婦〉，以巴洛克式的音樂來諷刺逐漸退流行的曲風；「三分鐘歌劇」──〈當露易絲焚燒負心人的情書〉，愛恨交加。

接著是三首歌德的詩，莫札特的〈紫羅蘭〉、舒伯特的〈野玫瑰〉、〈訪車旁的葛麗卿〉。這幾首是小時候常聽、但已經很久沒有聽到的歌曲。凝神聽她唱，忍不住很想跟著唱。這幾首浪漫精神十足，自毀或毀人的悲戀，她唱來有一種娓娓道來、冷冽警世的味道。

上半場最後選自莎士比亞的十四行詩，她先朗誦一首，接著唱In Black Ink，由當代的加拿大女性作曲家Linda.Catlin.Smith 作曲。波多野說選這首讓許佳穎可以一展所長。這首歌聲和鋼琴的互動很精彩，都非常不容易。

下半場波多野睦美換了衣裳，藍色短袖上衣和白色褲裙。這半場主要是日文歌曲。一開始間宮芳生的《日本民謠集》三首，常民的傳統歌謠，搭配現代感十足的鋼琴音樂，碰撞出特別的韻味。波多野的唱法和唱那些西方的藝術歌曲不同，直白如田間活動者。

接下來是高橋悠治的作品。先由許佳穎獨奏了一首〈夢蝶〉，音樂彷彿蝴蝶飛來飛去、難以捉摸。有種魔幻感。之後進入岡真史的數首詩作，選自《我12歲》──這位詩人是12歲就自殺了，聽這些歌才首次知道這部作品，很震撼。波多野以一種清脆溫柔的歌聲，表現歌曲中的純真、敏感、好奇、憂鬱。這系列的最後一首〈我是外星人〉，訴說對死亡的抗拒，同時又深受誘惑，極深的自我質問，令人喘不過氣。

最後結束在高橋悠治的另一首作品Die Zeit，歌詞是舒伯特16歲時寫的，抒發兩年前喪母的心情。音樂的形式比較類似浪漫時期的作品，波多野的唱法也回到德文藝術歌曲的唱法。兩位少年面對死亡的心聲，在此交會。這首曲子，是波多野請高橋特別寫的，用在她和高橋合作演出《冬之旅》的安可曲。

這場音樂會的安可曲是舒伯特《冬之旅》內的名曲〈菩提樹〉。許佳穎的鋼琴太強大了！這首人人耳熟能詳的歌曲，她的前奏一彈出來，就令人落淚。豐厚堆疊的樂句，表情極豐富，在後半段狂風暴雨的段落，氣勢驚人，最後恢復平靜的憂傷，更是割人心肝的動人。歌聲和鋼琴巧妙搭配、互相支持，精彩極了。聽完這曲，產生非常強的願望：請兩位合作全本冬之旅給我們聽！

藝術歌曲是我最喜歡的古典音樂類別，也是目前台灣音樂會最冷門的種類。能聽到這場如此好的音樂會，非常感謝。感謝許佳穎每次都安排開拓我們聆賞領域的精彩音樂會。